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TEMA 39.- MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL
BARROCO.

1.- LA PRÁCTICA INSTRUMENTAL EN LA ÉPOCA
BARROCA.

El principio que reina durante el primer periodo Barroco es la indeterminación tímbrica,
originada por el intercambio entre instrumentos de la misma tesitura. El Barroco comienza
con la búsqueda del timbre instrumental requerido para cada ocasión. A este respecto sería
Monteverdi en su ópera Orfeo, el que indicase en la partitura el tipo de instrumentos que
debían realizar en continuo, reservando para las distintas escenas, y según su carácter, a los
instrumentos de viento y de arco.

Pero la emancipación de la música instrumental que había comenzado en el Renacimiento
alcanza su culmen en el Barroco, periodo en el que se alcanzan un doble estilo en la música
instrumental, un estilo de ejecución y otro de composición apropiado para cada tipo de
instrumento. En el Barroco es fácil asociar los géneros formales con sus respectivos
instrumentos.

El desarrollo instrumental contribuye en gran medida a establecer principios tonales
modernos, que adoptan el temperamento igual como base y que tendrán influencia
determinante sobre la evolución de los instrumentos de teclado y el advenimiento del piano.
Durante todo el periodo Barroco existe una relación muy estrecha entre instrumento y clase
social. En Francia, la viola, laúd y clavecín son considerados instrumentos nobles. Por el
contrario, los violines no gozan de buena reputación durante el siglo XVII: son instrumentos
propios de lacayos.

En la época de Monteverdi, la orquesta era un conjunto variable de instrumentos cuya
selección dependía de la cantidad de músicos disponibles en un determinado momento y
lugar. Hacia 1700, muchos instrumentos habían sido perfeccionados técnicamente o habían
sufrido sensibles transformaciones y otros comenzaban a hacer su aparición. En la orquesta
de esta época encontramos ya un instrumental más o menos fijo.

La orquesta del Barroco cuenta, como elemento indispensable, con el clavecín para
ampliar y rellenar el sonido de la cuerda y porque el clavecinista realizaba la función de
director del grupo. Los instrumentos preferidos fueron los de cuerda, por su timbre delicado
y expresivo.

Uno de los problemas a los que debía enfrentarse la orquesta era el diapasón. En este
periodo la altura del “la” variaba de una ciudad a otra y también en función del repertorio
abordado. Teniendo en cuenta que estos tonos eran de por sí fluctuantes, puede
comprenderse la incertidumbre que existía entonces en todo lo relacionado con la afinación y
los problemas a que se enfrentaban los intérpretes.

La tendencia hacia una creciente complejidad que caracterizó la música occidental desde
el siglo X cesó de manifestarse en el siglo XVII en el sentido de la polifonía en beneficio de un
enriquecimiento de la dimensión melódica con toda clase de refinamientos y

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Temario de Oposiciones a Secundaria. Especialidad: Música.

embellecimientos que la escritura contrapuntística era incapaz de fijas: ornamentos
melódicos.

El desarrollo de la ornamentación instrumental es paralelo al de la ornamentación vocal
y está restringido a la música para solista o para conjunto de solistas. En grupo solo se
toleran aquellos adornos que han sido ensayados. Así mismo, hay una traslación, en el
primer Barroco, de los ornamentos utilizados en la música vocal al campo de lo instrumental,
encontrando, por tanto, estos ornamentos, como los más empleados. Los innumerables
ornamentos que utiliza la música barroca se improvisan o bien se indican con signos
convencionales: estos signos no explícitos se dirigen a los cantantes, violinistas, que ya
conocían la naturaleza y el estilo de los ornamentos usuales.

Hay gran cantidad de ellos y su empleo está prescrito en los tratados. Estos tratados
enseñan a leer la notación rítmica, necesariamente esquemática, en función del buen gusto y
de las convenciones: la notación es proporcional, pero los valores rítmicos no siempre lo son
en la ejecución. En torno a 1700 llega la música occidental al término de la evolución hacia su
clasicismo.

1.1.- Problemas del Barroco en la música instrumental.

Llegados a este punto, dos serán los retos a los que el Barroco se tendrá que enfrentar:

 Creación de un lenguaje instrumental.
 Expansión de una forma no dependiente de modelos vocales.

Creación de un lenguaje instrumental.

Los instrumentos e instrumentistas estaban listos para el cambio una vez terminado el
Renacimiento. El desarrollo permitía pensar la música con ligeras variaciones respecto a los
modelos vocales: la línea melódica podía hacerse más angulosa, la duración de los sonidos
más larga y su afinación más segura, la armonía más osada, el registro sonoro más amplio...

En el Barroco, por primera vez, los instrumentistas asumirán funciones propias, primero
acompañando la voz y luego sustituyéndola. El desarrollo de las texturas de melodía
acompañada será esencial, así como el avance de la conciencia tímbrica y el tratamiento
idiomático de los instrumentos. Los primeros ejemplos de composición idiomática aparecen
con el estilo concertato. El último obstáculo que debía vencer la música instrumental para
alcanzar su plenitud será el reconocimiento de la asemanticidad, que llegará en el
Romanticismo.

Expansión de la forma.

Al prescindir del texto, la música instrumental se vio en el apuro debuscar su crecimiento
a través de medios puramente sonoros. Esto se logró imitando modelos vocales, por mera
transcripción de su técnica, pero también buscando en la naturaleza de la interpretación
instrumental: la música podía ser muy fácilmente ornamentada, con lo que se abría paso a la
variación y a la improvisación. Además, tenía un papel preponderante en la danza, que
podía proporcionarle sencillos modelos para la variación y ritmos ajenos a la música vocal.
Así, las primeras manifestaciones instrumentales siguieron tres modelos: imitación de
modelos vocales, construcción de modelos multiseccionales y elaboración de variaciones.

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